Human Abfall bestehen seit Herbst 2011 aus Menschen, die an unwirtlichen Orten wie Stuttgart und Berlin leben müssen – den Städten der Verachteten, wo wirklich niemand auch nur mal für eine halbe Stunde tot über dem Nachbarszaun hängen möchte. Trotz oder gerade wegen des unumstößlichen Molochs ihres Lebensraumes sind alle Augen und das Interesse der Öffentlichkeit auf die zurzeit, sagen wir, eigenständigste Punkband des Erdballs gerichtet. Das anziehende Soundgerüst besteht aus einem noisigen Gitarrensound mit knarzigen, dem Wave zugewandten Bassläufen und einem zielsetzend, minimalistisch scheppernden Schlagzeugbeat. Die Musik der Gruppe Human Abfall äußert sich in technikschwerem Rhythmus und ist mehr dystopische Stimmungsmalerei als einfach nur eindringliche Melodie. In den Texten werden Gefühle, Alltagsgegenstände, Zustände widergespiegelt und auf ein eindringliches Minimum reduziert. Keine Betroffenheit - denn über dieses Stadium sind Human Abfall längst schon hinaus. Der Sänger mit verirrt finsterer Miene verpackt den sperrigen Postpunk (nicht unähnlich Grauzone oder Campingsex) in Früh-80er-Deutschpunk (à la Mittagspause und S.Y.P.H.) mit verbraucht doppelbödigen Texten und schafft es trotz wutentbrannten, manisch wiederholten Dada-Parolen stets, dem Hörer eigene Bezüge zu persönlichen Realitäten zu entlocken. Individuen abstoßende, kafkaeske Erzählart verwoben mit den existenzialistischen Wirren des modernen Lebens in der Kampfzone des digitalen Kapitalismus wird wieder und wieder auf das Wesentliche verknappt. Von Stück zu Stück der Schallplatte entsteht der klaustrophobische Eindruck, ein Kurt Schwitters habe seine Schere an den literarischen Werken Jean-Paul Sartres, Simone de Beauvoirs, Albert Camus’ und Gabriel Marcels angesetzt, um die Collage der immer wiederkehrenden Textbausteine mit Hammer und Nagel dem Zeitgeist anzuheften. Eine ganz eigene Erzählart entsteht, weder literarisch noch musikalisch – mehr wie Armdrücken gegen die Wand. Man spürt die Stadt, den Beton, den Dreck. Man spürt den Teil der Gesellschaft über den niemand gerne redet. Vielleicht könnte man verkürzt sagen: Was Dürrenmatt für die Literatur, sind Human Abfall für die Musik. Passend zur Musik besteht das Artwork aus gebundenen, durch Buchdruck veredelten, Leinen. Alles in 100% Handarbeit hergestellt

Ipek Yolu ist der türkische Name für die Seidenstraße, die Asien und mit Europa verbindet. Die Karawane Ipek Yolu beschäftigt sich nun nicht mit dem Transport von Seide, sondern sammelt vielmehr die Aromen, Düfte und Klänge aus den unterschiedlichsten Teilen der Welt und verbindet sie. Sie vereint basslastige Electro-Cumbia-Grooves, Saz-Riffs und Surfgitarren zu einem multikulturellen Schmelztiegel aus südamerikanischen Rhythmen, anatolischer Volksmusik und psychedelischem Rock der 60er Jahre. Es entsteht ein einzigartiges Klanguniversum, eine kaleidoskopischen Mischung aus Musik, die den tropischen Dschungel und die staubigen Wüsten verbindet. Ipek Yolu hat 2020 genutzt, um ihr Debütalbum Tropical Anatolia zu schreiben und sind mehr als bereit, die Bühnen der Clubs und Festivals zu besuchen. Die Mitglieder von Ipek Yolu trafen sich zum ersten Mal während des Aarhus Roots & Hybrid Festivals im Jahr 2018 zu einer improvisierten Jam-Session. Die Show war als einmaliger Auftritt von Mitgliedern der Bands Hudna und Junglelyd geplant. Die Chemie stimmte und angefeuert durch das Publikum dauerte das Konzert fast drei Stunden. Schnell stand fest, etwas Besonders war entstanden - die Essenz aus zwei Bands, die für groovende Partys bekannt sind und zu der sich musikalische Neugier und Improvisation gesellt. Die drei Mitglieder von Ipek Yolu sind seit mehreren Jahren Teil der dänischen Musikszene. Bandleader Orhan Özgür Turan ist ein bekannter und angesehener Saz-Spieler nicht nur in Dänemark und hat wegweisend den Sound der anatolischen Folk-Band Hudna geprägt. 2018 gewann er bei den Danish World Music Awards die Auszeichnung als Global Roots Artist des Jahres. Olaf Brinch und Lasse Aagaard spielen seit vielen Jahren in den unterschiedlichsten Bands zusammen und sind ständig auf der Suche nach dem unterschiedlichen Tönen dieser Welt. Und so entwickelten sie ausgehend vom Cumbia bei Junglelyd über den Afrobeat bei African Connection ihren eigenen Sound. Beide tourten durch Ghana, spielten und lernten von CC Yoyo, dem ehemaligen Schlagzeuger von Fela Kuti und sind noch an unzähligen weiteren Projekten beteiligt. Alle diese Erfahrungen wurden nun vereint, um mit Ipek Yolu den weiten Genre der Weltmusic den Bereich Tropical Anatolia hinzuzufügen.

JUNGLELYD

JUNGLELYD sind die neue Entdeckung von Sounds Of Subterrania. Die Jungs aus Dänemark vermischen Cumbia, tropischen Bass, Surf Rock, psychedelischen Elektronik-Sound und nehmen dabei den Zuhörer mit auf ein berauschendes Abenteuer. Hypnotisierende Beats werden durch melodiöse Elemente der Stammes- und Ritualgeräusche aus den nebeligen Urwäldern Südamerikas akzentuiert. Auf der Bühne vereint die fünfköpfige dänische Band Elektronik mit Instrumenten wie Saxophon, Flöten, Gitarren, Bass und Percussion, um eine Fusion aus digitaler und analoger Musik zu schaffen. Dieser einzigartige Sound reißt die Hörer nicht nur einfach mit wie eine Flutwelle, sondern verführt ihn auch der wahren Bedeutung des Wortes Cumbia, nämlich “cum" für Trommel und “ia” für sich schütteln, zu frönen. Nicht nur deswegen sind Junglelyd und ihre Liveshows in Dänemark bereits mehr als nur ein Geheimtipp. Einer ihrer Songs wurde letztes Jahr zum besten Weltmusik-Track Dänemarks gewählt. Die Band wurde daraufhin eingeladen, das Hausorchester bei den prestigevollen Danish Music Awards World zu sein. Folgt dem Klang! Lasst Euch von Junglelyd tief in die Magie des Dschungels tragen. Oder man kann es auch Abkürzen, Cumbia ist der Sound der Stunde und Junglelyd spielen ihn.

Beide Maxi's auf einer CD

Cumbia ist ein traditionelles lateinamerikanisches Musikgenre, welches ursprünglich aus Kolumbien stammt und sich seitdem auf dem gesamten spanischsprachigen Subkontinent verbreitet hat. Es vereint Elemente indigener südamerikanischer Melodien, afrikanischer Rhythmen und europäischer Kompositionen zur Entwicklung von Harmonien und Progressionen. Um den tristen Tanzflächen der westlichen Hemisphäre neues Leben einzuhauchen, verwenden heutzutage viele junge Künstler Cumbia als Grundidee und verbindendes Glied, um eine elektronische Variante dieses Genres zu entwickeln. Unter diesen befindet sich ebenfalls der dänische DJ Kenneth Rasmussen und seine 2015 gegründete Band JUNGLELYD, welche die klanglichen Sphären moderner südamerikanischer elektronischer Musik erforschen. Digital Cumbia, Tropical Bass, Zouk, Moombathon, moderne Sounds, die auf traditioneller lateinamerikanischer Tanzmusik basieren, hatten Einfluss auf die Kreativität von JUNGLELYD. Die Band kombiniert digitale und analoge Instrumente in ihrer Musik. Das zarte Flötenspiel von Lasse Enøe verleiht der hypnotischen Mischung einen Hauch von Souljazz. Alle Rhythmen sind eine perfekte Mischung aus elektronischen Beats und Live-Percussion, während Gitarren, Bassgitarre, sowie Blasinstrumente eine lebendige melodische Umarmung bilden. Nach zwei EPs im Jahr 2017 wird die Band ihr Debütalbum im Jahr 2020 auf SOUNDS OF SUBTERRANIA veröffentlichen. Das Album beginnt mit einer Hymne an das größte Lebenselixier der Welt - Kaffee. Natürlich eingebettet in eine entspannte Cumbia-Melodie. Die leichten Gitarrenharmonien entwickeln sich, schweben auf raumumschließenden Synthesizerwellen und folgen rhythmischen Mustern, die in euren Bewegungsapparat eindringen und dort fortlaufende Tanzbewegungen verursachen. Etwas komplexer in seiner rhythmischen Struktur, dabei aber immer noch extrem groovig ist „Boots“. Man merkt, die Tanzbewegungen werden heftiger und man ertappt sich dabei, wie man vor den Lautsprechern auf und ab springt. Tropische Inselbilder kommen einem in den Sinn – Kitsch. Nur eben, dass dieser durch die elektronischen Elemente und fantastischen Melodien verhindern wird, und so eben nicht dieses Lied nur ein weiteres, typisches, x-beliebiges lateinamerikanisches Musikstück wird. JUNGLELYD fügen der eindringlichen Musik aus den Anden die psychedelische Idee von Spacerock hinzu. Spuk ist das beste Wort, um den dritten Song „Lucerito de la Manana“ zu beschreiben, in dem die Sängerin Luna Ersahin mit Lead-Vocals und mystischen südamerikanischen Flöten den gewissen Unterschied kreiert, um am Ende mit einem Hauch von psychedelischem Jazz zu schließen. Dub, Psybient, Cumbia schließen sich für die nächsten Tracks zusammen und in opaleszierenden Farben spielen JUNGLELYD ihre meist instrumentale Musik vor ihrem Publikum, das aus psychedelischen Fanatikern, Cumbia-Liebhabern und Liebhabern elektronischer Musik besteht. In diesem futuristischen Exotikstil kann man eine ganz neue spirituelle Welt finden. Der Dschungel, in den er den Hörer mitnimmt, existiert auf riesigen Computerbildschirmen rund um den Hörer. Man kann die Tanzflächen in den heutigen Clubs dampfen und kochen sehen, während tanzhungrige Seelen durch die Nacht schweben. Die Musikalität dieses Kollektivs ist außerordentlich hoch, die Blasinstrumente zeigen eine ungewöhnliche Hingabe und Entschlossenheit für zusätzliche Farbeffekte bei gegensätzlichen elektronischen Klangkreationen. Und die süßen Twang-Gitarren hier und da erinnern an Zeiten, in denen die ideale Welt auch in verträumten Klängen ihren Ausdruck fand. Dieses Album ist ein fortwährender Traum und man kann es sich zueigen machen, wenn du es wagst den von JUNGLELYD geschaffenen digitalen Dschungel zu erkunden. Bleibt noch zu erwa?hnen das JUNGLELYD Debüt ist das perfekte Sommeralbum.

Mit Tropical Depression ist Kaleb Stewart ein Singer- Songwriter-Album fu?r die Hardcore Kids der 90er Jahre gelungen.?Die Erinnerungen sind präsent und doch, die Welt hat sich weitergedreht, an allen Ecken brennt es. Gru?nde, die einen fru?her dazu brachten eine Band zu gru?nden und seinen Unmut in die Welt zu schreien, sind heute um ein Vielfaches vorhanden und doch stagniert die Rebellion im Paradies. Und mit ihr ihre Kunst. Lethargie macht sich breit und weitet sich zur Depression aus. Und genau da setzt „Tropical Depression“ an. Dabei geht es bei dem Album um so viel mehr als um die Verklärung der fru?hen Jahre, es geht um die Reflexion des Ist-Zustandes, um Artikulationen, um den Wunsch der Vera?nderung und dem gleichzeitigen Verharren im goldenen Ka?fig. Kalebs Mittel der musikalischen Beschreibung ist Pop. Dass die Tu?r des Ka?figs weit offen steht und sie trotzdem nicht durchschritten wird, ist dabei ein Aspekt. Dass die Texte animieren sollen daru?ber nachzudenken und vielleicht doch den Schritt hinauszuwagen, ist ein anderer Aspekt und diesen ko?nnte man dann im geschichtlichen Schluss auch wieder Punk nennen. Aber vielleicht ist das dann auch nicht mehr wichtig, denn die Welt hat sich weitergedreht.

"Unverschämt, tough und verführerisch" betitelt so mancher die Kamikaze Queens, jener female fronted Rock'n'Roll Band, die trotz buntester geografischer Vergangenheit ihre Heimat in Berlin gefunden und sich dort in den letzten Monaten mit der Produktion ihres neuen, zweiten Albums beschäftigt haben. „Automatic Life“ wird es heißen und erzählt Geschichten vom Nachtleben, den guten und den schlechten Tagen und von der Gier nach Leben. Mit dem wilden und ungestümen Mix aus Punkrock, Garage, Swing und Burlesque haben sie nur eins im Sinn: 'kickin’, screamin’ and rockin’ out of this world!' „Automatic Life“ verkörpert in 49 Minuten Spiellänge die stilistische Bandbreite der Kamikaze Queens, die selbst ihre Songs u.a. so umschreiben würden: Ist es im Opener 'Tastee 29' noch der Southern Stomp, der maßgeblich den Sound bestimmt, folgt man bei 'Night Life' eher dem düsteren und geheimnisvollen Ruf des Tangos. 'Snagged On My Stiletto' kommt mit einer guten Portion Punkrock Allüre daher, die dabei so cool ist, dass es hinter ihr schneien könnte. 'Good Times' ist wiederum prall gefüllt mit Lust und Glamour, Scherben und blutigen Knien, mit Drinks und Herzschmerz, daß es einen hin und her schleudert, zerfetzt, und letzten Endes nach Zugabe verlangend, zurücklässt, um gespannt auf die nächsten Songs zu blicken. Die Stories drehen und wenden sich, werden dunkler, manischer und tauchen tief ins Meer ein zu den Stücken 'Sweet Geraldine' und 'I Was A Teenage Mermaid'. Es geht um die Meerjungfrau Geraldine, die ihr Zuhause verlässt, um ihrer unersättlichen Neugier und Rebellion gerecht zu werden, in dem sie sich an Land in die raue und chaotische Welt der Huren und Trannies, der Punks und Freaks begibt. In die absurde Welt eines John Waters hingegen katapultiert euch''Do The Crab' - der erste Song zu dem Gitarrist Tex Morton sowohl Musik als auch Lyrics beisteuerte. Und so bezwingen, unterstützt von singender Säge, Cello, Kazoos und Pfeifen, die Kamikaze Queens mit diesem Album den Rock'n'Roll von einer ganz anderen Seite...

Die Fakten: 7 kg, limitiert auf 20 Stück, Gehäuse Holz in der Farbe schwarz. Innenleben: LP, Gürtelschnalle mit Logo oder wahlweise euren favorisierten Bandmitglied.

Die Berliner All-Star Band mit ihrer ersten 7''. Aus der Asche der SIN CITY CIRCUS LADIES hervorgegangen und verstärkt dúrch Tex Morten ( MAD SIN) spielen die KAMIKAZE QUEENS einen fantastischen Cocktail aus Rockabilly, Punk & Cabaret. Ihre Form aus Varietepunk ist einzigartig und bescherte ihnen bereits ohne das Vorhandensein jeglicher Releases, eine Tour mit QUEENS OF THE STONEAGE& EAGLES OF DEATHMETAL. Single kommt im netten Siebdruckcover von Bonguot und als besonderer Leckerbissen mit einem Orginal Strumpfband. Limitiert auf 500 Stück.

Endlich! Das erste Album der verückten Berliner und glaubt mir im Moment spielt keiner einen so verückten, wilden Mix aus Hillybilly, Punkrock, Garagensoul und Barjazz wie dieser Fünfer!

Die mit Abstand beste Rachut-Platte. Mag es daran liegen das sie so vielseitig ist oder am Alsterwasser. Im Gegensatz zum Vorgänger ist diese Kommando Sonne-nmilch wesentlich zugänglicher & auch leichter konsumierbar, auch wenn die 17 Songs auf "Der Specht baut keine Häuser mehr" beim besten Willen kein "easy listening" sind! Mit einer illustren Hamburger Gästeschar (Leute von Slime, Die Sterne, Goldene Zitronen) und teilweise einem Frauenchor, vertonen Kommando Sonnenmilch alltägliches bis absurdes, mal experimentell und mit Hörspielcharakter, mal richtig eingängig und mit Pop Potenzial, dann wieder schräg-noisig oder relaxt / laid back. Definitiv keine Platte für "mal eben nebenbei", sondern Musik, die einen fordert und oft auch erst nach mehrmaligem Hören zugänglich wird, aber wann hat man das heutzutage noch???

Superaufwendige 7" mit Klappcover, dickem Beiheft und 2!!! Pop-up-figuren. Das letzte Vermächtniss unseres Superhelden, bevor er als Reverend zurückgekehrt ist.

“The most terrifying fact about the universe is not that it is hostile but that it is indifferent, but if we can come to terms with this indifference, then our existence as a species can have genuine meaning. However vast the darkness, we must supply our own light.” Stanley Kubrick Es war ein sehr großes Glück, dass ich vor ein paar Jahren im Hamburger Hafenklang Listener entdecken durfte. Da standen drei Männer auf der Bühne und spielten genau die Musik, die ich seit der „Auflösung“ von Hot Water Music so sehr vermisste. Es waren nicht viele Menschen im Publikum, aber ich hatte den Eindruck, dass ich nicht als Einziger mit Gänsehaut in diesem Raum stand. Die drei bereits veröffentlichten Platten der Band waren restlos ausverkauft und so tat ich etwas, was ich in meiner bisherigen Labelgeschichte nie getan hatte: Ich fragte nach einem Re-Release. Wir wurden uns einig und ich entwickelte die gelaserten Special Editions. Am Tag der Veröffentlichung brach dann mein Server zusammen, da ich zu viel Bestellungen erhielt und hier nahm ich auch erstmals war, wie viele Fans Listener weltweit haben, denn die Bestellungen kamen wirklich aus allen Kontinenten. Umso beeindruckender ist das Ganze, wenn man weiß, dass Listener entweder selbst oder auf sehr kleinen Labels veröffentlichen, also keine große Maschinerie dahintersteht. Diese Fans erspielen sie sich mit ihren fast 150 Shows jährlich und der guten alten Mund-zu-Mund- Propaganda. Ich denke, dieses Echo auf ihre Musik entsteht, oder zumindest bei mir ist es so, durch eine andere Form der Poesie in ihren Texten. Dan, der Sänger, nennt es Talkmusic, ich würde es als eine Form des Geschichtenerzählens beschreiben, wie es in ursprünglicheren Musikformen üblich ist. Weg von der Floskel, der inhaltsleeren Geste, der Inszenierung, hin zur Geschichte, welche erzählt werden muss. Und genau hier zeigt sich dann das Genie dieser Band. Denn diese Geschichten, könnten auch von Kubrick, Gus van Sant oder Wes Anderson stammen. Sie sind kleinteilig und in sich stimmig, sie ergeben ein großes Ganzes und liegen doch wie ein zersplitterter Spiegel vor einem und lassen nur erahnen, welche Welt einen erwarten kann. Nun gibt es mit Being Empty:Being Filled die erste Veröffentlichung, die ich von Anfang an begleiten kann und ich hoffe dieses Album wird viele Runden auf eurem Plattentellern drehen. / Gregor Samsa Wenn man es sich einfach machen möchte, könnte man als Grundthema des neuen, vierten Albums „Being Empty: Being Filled “ den Verweis auf all die herausragenden Persönlichkeiten, welche vorgestellt werden, heranziehen. Aber so leicht ist es natürlich nicht. Listener sind lauter geworden, die Gitarren rockiger, manchmal auch zorniger. Kris schlägt ins Schlagzeug, als gebe es kein Morgen. Dies ist aber nur die musikalische Seite. Die andere ist die Poesie und Dan singt, oder sollte man besser sagen, erzählt vom Leben, mit seinen Kanten, mit den großen Momenten, den vielen Fragen und den vielen Scheitern, wie kein zweiter Sänger auf dieser Welt. Kein Pathos, keine falsche Theatralik verstellt den Blick auf den Inhalt der Erzählung. Diese Form wie Dan seine Geschichten, welche auch unsere Geschichten sein können, vorträgt, macht Listener mit Abstand zu den interessantesten Bands der heutigen Zeit. Es sind diese Analogien die unsere Zeit am treffendsten beschreiben können und uns auch diese begreifen lassen. Dieses Aufzeigen der Widersprüche ohne den Finger zu heben. Diese Wärme, die am Ende immer noch Hoffnung spendet, macht ihre Musik einzigartig.