Mit Tropical Depression ist Kaleb Stewart ein Singer- Songwriter-Album fu?r die Hardcore Kids der 90er Jahre gelungen.?Die Erinnerungen sind präsent und doch, die Welt hat sich weitergedreht, an allen Ecken brennt es. Gru?nde, die einen fru?her dazu brachten eine Band zu gru?nden und seinen Unmut in die Welt zu schreien, sind heute um ein Vielfaches vorhanden und doch stagniert die Rebellion im Paradies. Und mit ihr ihre Kunst. Lethargie macht sich breit und weitet sich zur Depression aus. Und genau da setzt „Tropical Depression“ an. Dabei geht es bei dem Album um so viel mehr als um die Verklärung der fru?hen Jahre, es geht um die Reflexion des Ist-Zustandes, um Artikulationen, um den Wunsch der Vera?nderung und dem gleichzeitigen Verharren im goldenen Ka?fig. Kalebs Mittel der musikalischen Beschreibung ist Pop. Dass die Tu?r des Ka?figs weit offen steht und sie trotzdem nicht durchschritten wird, ist dabei ein Aspekt. Dass die Texte animieren sollen daru?ber nachzudenken und vielleicht doch den Schritt hinauszuwagen, ist ein anderer Aspekt und diesen ko?nnte man dann im geschichtlichen Schluss auch wieder Punk nennen. Aber vielleicht ist das dann auch nicht mehr wichtig, denn die Welt hat sich weitergedreht.

„Joy!“ knüpft genau dort an. Die beiden schreiben fantastische Songs, teilweise ganz wortwörtlich über Nacht, an denen andere monatelang feilen müssten. Sie sind virtuose Musiker und clevere Produzenten ihrer selbst, aber sie bleiben dabei stets sachlich, fast nüchtern. Eine Doktrin, die wohl einerseits auf ihre Helden zurückgeht - Leute wie J.J. Cale oder der auf dem Album zitierte, jüngst verstorbene Don Williams, vor allem aber John Prine, der - genau wie Sänger Kenny Miles - vor seiner Musikkarriere als Postbote im ländlichen Kentucky unterwegs war. Andererseits liegt jene höfliche Dezenz ganz sicher auch in ihrer Erziehung begründet. Die beiden sind in einer ebenso gläubigen wie Familie aufgewachsen. Ihr Vater hat einst in ihrer Heimatstadt eine Kirche gegründet in der die beiden Brüder – damals gerade acht und 13 Jahre alt – ihn regelmäßig bei Gottesdiensten an Schlagzeug und Bass begleiten. Nichtsdestotrotz erweitert das neue Album ihre Farbpalette um ein gutes Stück. Der Opener „On My Throne“ rollt überraschend bluesig und bitter politsch aus Lautsprechern (“I’m better off than I deserve | I’m full of war but I never had to serve”) und auch das treibende, textlich so schön verrätselte „White Rose“ hat man so nicht kommen sehen. „Mit „Toyman“ findet sich ein erstes Instrumentalstück, das das Album in zwei Hälften unterteilt. Zudem ist „Joy!“ so etwas wie ein transkontinentales Bandalbum. Die einzigen Musiker neben den beiden Brüdern sind Multi-Instrumentalist Ludwig Bauer und der Gitarrist Johannes Till, die auf den Touren zu „Mexico“ unter anderem auf dem Orange Blossom Festival ihre Backing Band bildeten und in Dresden zu einigen der neuen Songs Aufnahmen machten. „Joy!“, so erklärt Kenny Miles, sei auch das erste Album der Brüder, das entstand während sie an unterschiedlichen Orten lebten (Whitesburg, KY und Nashville, TN) und doch gleichzeitig ihr kollaborativstes. Nie zuvor hätten sie beim Songwriting stärker die Ideen des anderen weitergesponnen. Vor allem aber steuert Hayden Miles, eigentlich Schlagzeuger in der Band, zwei eigene Songs bei, die das Alternative Country-Terrain gleich gänzlich verlassen. Fragile, leise Indiepop-Songs wie ein tastendes Ausloten ungeahnter Möglichkeiten. „Don Williams“ beschreibt sein Stöbern in unbeschrifteten Kassetten aus dem Nachlass ihres früh verstorbenen „papaws“ Wayne (der Bandname setzt sich übrigens aus den Vornamen beider Großväter zusammen). Darauf zu hören waren Predigten, die Stimmen von Freunden und Verwandten und auf circa jeder dritten Kassette: der namensgebende Country-Songwriter. „Here“ ist wie ein Spaziergang durch eine postapokalyptisch anmutende amerikanische Kleinstadt, in der sich keine Spuren mehr von dem vielen Geld finden lassen, was dort noch vor nicht allzu langer Zeit mit dem Kohleabbau verdient wurde. Zivilisationsschrott, der in den Vorgärten herumliegt, Leere und Landflucht. “At the foot of a small town’s mountain |resting high above their eager eyes | black from the money that they’ve earned here | seeing no return while they get high” Fragt man Sänger Kenny nach ihrer Herangehensweise an das neue Album bekommt man eine Antwort, die den Songs darauf nicht unähnlich ist – Understatement und doch nie ohne Poesie.

In dem Video zu »Iron«, der ersten Singleauskopplung von »Odds« sieht man sich hilflos wankend durch den Wald irren, wackelig auf den eigenen Beinen. Fast wie in Zeitlupe verschwimmen die dichten Tannen immer wieder. »Oh, it feels like nobody’s home / Yeah it feels like that, when your sorrows leave their hole« singt Sänger Kai Lehmann darüber, während man unter einzelnen Tannenzapfen und Ästen hinweg taucht, trunken aber bedacht um jeden Schritt den man geht. Der Blick zu Boden. Den Blick in den Himmel. »Iron« bildet auf dem Album den Schluss und thematisiert ihn gleichermaßen indem er mit etwas Abstand auf eine Trennung zurückblickt, nüchtern, für sich alleine und trotzdem musikalisch so dicht, dass es beständig zwischen textlicher Ebene und instrumentaler Vielschichtigkeit hin und her pendelt.+++ »Odds« bewegt sich neun Songs hindurch zwischen scheinbaren Gegensätzlichkeiten. Der nüchterne Rückblick auf eine gescheiterte Beziehung wird mit einer verletzlichen Emotionalität ausgedrückt, die charakteristisch für Garda ist. Jedes Mal, wenn man denkt, man bekommt einen Song zu fassen, verschwimmt er schon wieder vor Augen. Langsam zäh dahin fließende Momenten werden von einer sich majestätisch aufbäumenden Instrumentalisierung aufgefangen. Immer wieder entwickeln sich die Songs durch ungewöhnlich dichte Soundstrukturen zu orchestralen Gebilden aus Streichern, Bläsern, Vibraphon, Pedal Steel Guitar und Percussion, bevor sie wieder zusammenfallen. +++ Und während man sich beim Hören von Song zu Song bewegt, dringt man immer tiefer und tiefer in den Wald hinein, zwischen gewaltigen Bäumen und Tannen hindurch, so dicht und hoch, dass man kaum den Himmel sieht. Man tastet sich stets behutsam voran, der Blick schwankt zwischen dem moosbedeckten Boden und dem Himmel. Begleitet wird man dabei von Lehmanns Stimme, dessen emotionale Intensität die orchestralen Gebilde immer wieder einstürzen lässt, bis sie selber so zerbrechlich scheint, dass man fürchtet, sie bräche jeden Moment weg. +++ Eingeleitet wird »Odds« – analog zum Ende – mit der Zeile »I put my bones into a new suit« – einem Neuanfang, der bereits die thematische Klammer des Albums festlegt: Veränderungen. Mal verhindert, dann wieder durch eigene Hand angestoßen und umgesetzt, genauso wie das Hadern und die Angst davor: Veränderungen in all seinen guten und schlechten Momenten. Für Garda ist dieser Drang nach Veränderungen oftmals verknüpft mit der eigenen Heimat, der sächsischen Provinz. Obwohl mittlerweile alle sechs Bandmitglieder in Städten wie Leipzig oder Dresden wohnen, ist die Heimat der Band eben nicht die Großstadt, sondern das Dorf. Aufgewachsen in und um Chemnitz, kennen sie sich zum Teil seit mittlerweile über 25 Jahren. Für Probewochenenden geht es manchmal zurück in die Provinz. Gleichzeitig wurden die Blechbläser für das neue Album von der Volksmusikkapelle Oederaner Blasmusikanten eingespielt. Doch die Heimat der Band fließt nicht nur in die Aufnahmen, sondern auch in die Texte mit ein. »Are we (…)« etwa handelt vom Umzug, vom Verlassen eines Ortes, der einem nicht gut tut, um woanders von vorne beginnen zu können. Indem sich der Song mit Zeilen wie »A moment we’ve shared and lost / a place where we used to belong. / Get rid of it, even if it gets us nowhere« nach vorne richtet, blickt er gleichzeitig zurück auf den Ort der hinter einem liegt. +++ »Odds« ist nicht nur textlich und musikalisch vielschichtig, sondern auch in Hinblick auf seine Einflüsse. Auch wenn sich Garda mittlerweile von früheren Folk-Zusammenhängen immer mehr emanzipiert, ist noch immer spürbar, dass ein Teil der Band neben Garda in der experimentellen Folkband The Gentle Lurch spielt. Gleichzeitig lebt das Album von eingängigen Pop-Momenten, genauso wie von einer schroffen, rohen Kraft, die sich vor allem live ausdrückt und frühere Emo- und Posthardcore-Bezüge der Band erahnen lässt. Der andere Teil von Garda spielte ursprünglich in der Hardcore-Band Claim. Gerade diese einzigartige Vielschichtigkeit macht Garda zu einer jener seltenen deutschen Indierock-Bands, für die man eigentlich schon seit dem Vorgängeralbum »A Heart of a Pro« (2012) nur noch international passende Referenzen findet, die es immer wieder schafft, nicht an einer Stelle zu verweilen, sondern – so soll es schließlich idealerweise sein – auch die Grenzen ihrer Kunstform ein Stück weit zu verschieben.

Khalab ist ein italienischer Elektronikproduzent. Mit "Black Noise 2084" räumt er endgültig mit dem abgenutzten und oberflächlichen Klischee auf, "black music" wäre ein Konzept, das sich auf Soul beschränke. Da Soul einen letztlich affirmativen und besänftigenden Charakter besäße, gelte es stattdessen, all den Terror und die Unterdrückung, welche die Bewohner Afrikas und deren Nachfahren in der "Neuen Welt" erleiden mussten, im Sinne einer Katharsis hörbar zu machen. Dabei gingen Khalab prominente Mitstreiter wie Shabaka Hutchings, Moses Boyd, Tamar "The Collocutor" Osborn, Gabin Dabire, Tenesha The Wordsmith, Tommaso Cappellato, Prince Buju und Clap! Clap! zur Hand. Für seine loopbasierten Sounds nutzte Khalab Feldaufnahmen aus dem Archiv des Königlichen Museums für Zentral-Afrika in Brüssel, in dem zahlreiche ethnografische Zeugnisse der europäischen, insbesondere belgischen Kolonialgeschichte gelagert sind. Rein musikalisch gesehen vereinen die zehn Stücke auf "Black Noise 2084" tribalistische Perkussion sowie Sprach-, Gesangs- und Chor-Beiträge, bei denen es sich teilweise um Samples handelt, mit elektronischen Klängen, die durchaus auch im Clubkontext funktionieren würden, und jazzigen Sounds.

Reissue eines Klassikers der nigerianischen Afrobeat-Szene. Er lebte in London, Genf, Hamburg und Lyon, spielte mit Fela Kuti, King Sunny Adé, Miles Davis und Bob Marley und zählt noch heute zu den großen Namen des Afrobeats und Highlife: Der Nigerianer Eji Oyewole steht für das goldene Zeitalter westafrikanischer Musik. In eine royale Familie hineingeboren, kann Prince Eji Oyewole auf eine über 50-jährige Karriere als Flötist, Saxofonist und Bandleader zurückblicken. Das Album "Charity Begins At Home", das jetzt neu gemastert wieder vorliegt, entstand Ende der 70er-Jahre für EMI Nigeria und stellt eindrucksvoll Oyewoles Version von Highlife vor: weniger Dominanz der Gitarren, dafür mehr Bläser, viele Einflüsse aus amerikanischem Funk und Jazz und natürlich die für afrikanische Musik typische kräftige perkussive Unterstützung.